J.W. Anderson的時裝展為什么說值得一看？_行業新聞

J.W. Anderson的時裝展為什么說值得一看？

發布日期：2017-03-22
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　　多年之前，當三宅一生(Issey Miyake)再度奉出融合了衣服、音樂、舞蹈等元素并破壞既成流派的展覽時，我暗自推測，或許他認為時裝并非一種藝術形式。他習慣成自然的不自信，已經溢出變成刺激。“衣服，衣服……”他故作神秘地很堅持。不是雕塑，不是布面油畫。有的只是布，用來包裹身體的東西，因其功能性而被剝奪，而能被尊稱為“藝術”之可能性的形式。

　　將三宅一生奉為其最愛設計師的Jonathan Anderson也曾有同感。之后他花費兩年時間策劃Disobedient Bodies(“不服從的身體”)展覽，于上周六在赫普沃斯美術館(Hepworth Wakefield)開幕，這座位于約克郡的當代英國藝術的圣殿由英國建筑師大衛·奇普菲爾德(David Chipperfield)設計建造。“他們使用了如此之多時裝與藝術驚人之作，完全改變了我，”Anderson在周五展覽對公眾開放前表示，“山本耀司(Yohji Yamamoto)的設計與芭芭拉·赫普沃斯(Barbara Hepworth)同等重要。你能在服裝上實現雕塑的形式。 ”

　　Anderson的這個對比會使純粹主義者很不爽，但“不服從的身體”將藝術作品與時裝的特點進行并置，以非常令人信服的方式提出自己觀點：令人震驚的、挑逗的、玩味的、挑釁性的。此前，Anderson已自稱是“策展人”，與其“設計師”身份同等重要。他對手工藝的熱情也在他為Loewe以及他同名系列每年交付的12個時裝系列中得到體現(他也在此次展覽中將其引用)，以及他位于肖爾迪奇街區的零售空間J.W. Anderson Workshops，在展覽下點燃起了火。

　　“不服從的身體”的想法誕生，源自Anderson因其對芭芭拉·赫普沃斯作品的熱情，針對赫普沃斯美術館設置的Google活動提醒推送。同時，該美術館亦正在思考如何進行跨學科的研究合作，并將其永久藏品全部做成動畫。

　　Anderson表示，在本次展覽成形過程中，赫普沃斯美術館首席策展人Andrew Bonacina正是他的向導與老師。Bonacina將整個過程比作超現實主義畫家們愛玩的“精美尸首”(Exquisite Corpse)游戲。“Jonathan會先說點東西，我再加點別的。”

　　本次展覽將展示超過100件作品。“我們zh指的是，每一個作品都是一個身體，”Bonacina說，“這里有100個身體在進行對話，開心的，尷尬的，引起爭論的，互相仇恨的。”但最后兩個并不能找到真正的證據。事實上，這些身體似乎不是“不服從”而是很順從(即便有這種相反的概念出現，也會更加性感)。

　　進入展廳，你看到的第一件作品是亨利·摩爾的“側臥的人”，這座極為美麗的木雕誕生于1936年。幾英尺之外的是時裝設計師Jean Paul Gaultier的錐形胸衣禮裙，安排成與木雕類似的側臥姿勢，亦如同該木雕那般純粹抽象。不遠處播放的是美國舞蹈家、被譽為現代舞創始人之一的瑪莎·格雷厄姆(Martha Graham)在1930年錄制的舞蹈片段《哀歌》(Lamentation)，這位編舞家在長長的管狀面料中起舞成抽象的剪影。要觀看這段視頻，你得坐在一張帶有管狀鋼框的椅子上。這張椅子名為“非墨守成規者(The Non-Conformist)”，這是家具設計師艾琳·格雷(Eileen Gray)在1926年的設計。

　　這些雕塑、舞蹈、家具設計在其面世時帶來的激進影響確實不難想象。“但曾經是激進的東西現在都是經典了，”Bonacina注意道，“這種‘后見之明’的概念也很有趣。”有趣的是這與Gaultier長裙的工作原理恰恰相反：托麥當娜(Madonna)的福，現在人人都知道錐形胸衣，這本來就是一種時尚“經典”，但在如今的展覽中卻變為了“激進”的東西。這種奇怪的副作用，是使“不順從的身體”能從近期其它藝術/時尚重構情境的實踐，比如Dries Van Noten令人驚嘆的展覽Inspirations(“靈感”)。

　　這里有100個身體在進行對話，開心的，尷尬的，引起爭論的，互相仇恨的。

　　Bonacina提出了一個問題，而這個問題衍生的變種則是本次展覽的核心：“帶有亨利·摩爾形式的Gaultier，你認為會是什么樣的?”川久保玲(Rei Kawakubo)1997年發布的Lumps and Bumps系列(“隆起與腫塊”)，放置于地面，圍繞著雕塑大師布朗庫西(Constantin Brancusi)1912年創作的一顆同樣放置于地面的頭部雕塑，伴隨播放的是一支來自格雷厄姆門生摩斯·肯寧漢(Merce Cunningham)舞團成員身穿該川久保玲系列起舞的視頻。Yves Saint Laurent在1969年設計的一條黑色雪紡裙，其胸衣部分為黃銅質地配件，由法國雕塑家克勞德·拉蘭內(Claude Lalanne)澆灌塑成，放置其正對面的抽象雕塑作品名為“穿孔的軀干(Perforated Torso)”，由已過世且鮮為人知的斯洛伐克雕塑家Maria Bartuszová創作，令人聯想到的是身體的曲線與皮膚的褶皺。

　　還有一件Yohji Yamamoto帶裙撐外套，與其并置的是威廉·特恩布爾(William Turnbull )的青銅像，該作品中的曲線也能令人聯想到裙撐。Helmut Lang帶有大量挽具的時裝系列，與瑞士雕塑家賈科梅蒂(Alberto Giacometti)、法裔美國雕塑家路易絲·布儒瓦(Louise Bourgeois)以及芭芭拉·赫普沃斯的雕塑同在一個空間。Anderson本人設計的一組黑色氯丁橡膠上衣，也與他喜愛的愛爾蘭陶藝家莎拉·弗林(Sara Flynn)的作品共同占據一間凹室。

　　這一切都使Anderson所謂“跨越創意原則”(crossing lines of creativity)看起來十分符合邏輯，也更容易接近。Bonacina表示，“藝術界的人很怕把好看的東西放在一起，因為看起來這簡直很蠢。 ”但這就是作為時裝設計師的Jonathan進入藝術世界呢能帶來的貢獻。作為一種工藝，或者說一種藝術形式，時裝的民主意味更濃，因為你必須要用某種方式與其接觸。但藝術被包裹在一層智識的泡沫之內。我們經常看到本地人走進來，看看赫普沃斯或是摩爾的作品，然后說：“我喜歡，但我不理解這是什么意思’。但是有了衣服，他們還是能說出為什么覺得這件有趣，或者為什么這件構成了挑戰。”

　　“在藝術機構里，經常發生的就是無論怎樣你最終都是能按照指示去做，”Bonacina承認，“所以做這樣的項目，代表著你對其進行撼動。當你用什么別的東西來與時裝對抗，你就會用新眼光來看待時裝。”

　　所有這些展品沒有配以標牌進行解釋。入口處配有詳細文字說明，但Anderson與Bonacina更偏向鼓勵觀眾與展品進行更直接的實體、視覺反應。在所有對話中你都能自由找尋你自己的詩。

　　該展覽由倫敦建筑師團隊6a負責設計，場景類似一連串帶有幕布拉起的房間，給人的感覺近乎家里的私密，尤其是許多展品實際擺放在桌面而非美術館更常見的底座。盡管觀眾依舊不能觸摸展品，至少給人更輕易接近的感覺，這也是Bonacina談起的新觀賞方式的一部分。至少，這里還有一個房間里懸掛起28件套頭毛衣，色彩鮮明、袖子細長得超乎現實的針織衫乞求你與其糾纏。這是你能想象前來觀展的孩子們可能會陷入的困境，播種未來的時裝種子。

　　在展覽開幕晚宴演講時，Anderson提到自己在策劃“不服從的身體”展覽的兩年內，世界也發生了很多變化。新崛起的民粹主義者政治氣氛試圖鼓勵孤立而非互動與參與。這就站在了藝術和時尚所代表的每一種人性的沖動的反面，也是必須抵抗的。正因如此，這個“不服從的身體的概念也賦予Jonathan Anderson本次展覽未曾預料的及時性，以及重要性。“藝術正將目光投向時尚，時尚也將目光投向藝術，”Anderson說。兩者共同給人類提供了新的看待生活的方式。